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100 Gigs explican su experiencia en PrimaveraPro

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De izquierda a derecha: José María Álvarez de Lara (fundador de Inov-Culture) entrega el Primer Premio a la Mejor Idea a Daniel Maman y Monique Leonhardt, fundadores de 100 Gigs (Artists First). Fotografía de Alfonso Sáenz.

El proyecto ganador del premio a la Mejor Idea en el 1er Concurso de Ideas y Foro de Inversión de la Industria de la Música realizado en PrimaveraPro 2014, se presentó al Concurso como “Artists First”, con un nuevo nombre y una nueva experiencia, nos cuentan en qué consiste su proyecto y cuál fue su experiencia.

¡Somos 100 Gigs! Ayudamos a crear experiencias memorables a organizadores de eventos privados y corporativos, así como a la promoción de artistas locales, pero lo mejor de todo es que nos deshacemos del tiempo que se pierde tratando de conectar a unos con otros. 100 Gigs es un mercado online que agrega a todos los artistas y actores (tales como músicos, DJs, bailarines o comediantes) de una ciudad para que el usuario pueda encontrar fácilmente la actuación perfecta para su evento y que tenga la comodidad de contratarlo online. Para conocernos mejor, puedes echar un vistazo a nuestro sitio web, aún en fase beta: www.100gigproject.com

Nuestra idea de negocio evolucionó hace aproximadamente un año, cuando nos conocimos en ESADE Business School donde estudiamos para aprender los fundamentos de la iniciativa empresarial. Cuando escuchamos hablar por primera vez del Concurso que tendría lugar en PrimaveraPro, nos emocionamos mucho por participar. Era la oportunidad perfecta para presentar nuestra idea a la audiencia adecuada: a los profesionales de la industria de la música.

Los emprendedores que se hayan aventurado en fundar una empresa exitosa en este sector, saben lo difícil que es que tire adelante. Los músicos y artistas locales sufren la falta de reconocimiento por su talento. Sin embargo, creemos que es posible que esta situación pueda cambiar. Y esta es la misión que apoyó el Concurso de Ideas y el Foro de inversión de la industria de la música; no sólo con su existencia, sino también con el gran apoyo que se nos ha dado a los participantes. Desde el principio nos gustó el contacto personal con los organizadores y nos acompañaron entrenamientos y sesiones informativas durante todo el proceso hasta el evento final.

Ganar el concurso ha impulsado muy satisfactoriamente nuestro proyecto y como resultado final hemos podido construir nuestro sitio web (de momento en fase beta) y realizar una fase piloto en Barcelona en octubre de este año. Queremos dar las gracias a la organización de este evento y toda la gente maravillosa que ha estado apoyando procesos disruptivos dentro de la industria de la música aportando grandes ideas.

Finalistas de la 1ª Edición del Concurso Internacional de Ideas y Foro de Inversión de la Industria de la Música en PrimaveraPro 2014

La 1ª Edición del Concurso Internacional de Ideas y Foro de Inversión de la Industria de la Música realizada durante PrimaveraPro 2014 en colaboración con Seed&Click, recibió cerca de 40 ideas de negocio y proyectos empresariales de emprendedores de diferentes nacionalidades. Ideas y proyectos, desde producto hasta Internet y aplicaciones móviles, especializados en marketing, monetización, servicios, distribución, promoción y desarrollo. Los miembros del jurado destacaron el potencial de las ideas y proyectos presentados en esta primera edición valorando principalmente la capacidad para asumir un alto nivel de ingeniería en la industria musical, así como el talento para romper con los esquemas y favorecer a la evolución de un nuevo ecosistema.

Finalistas del Concurso de Ideas:

Artists First, a cargo de Monique Leonhardt y Daniel Maman. Plataforma web que pone en contacto a artistas con jóvenes profesionales del sector audiovisual que puedan ofrecerles servicios de su interés.

Playwithme, a cargo de Katia de Miguel Campo. Desarrollo de una línea de camisetas “Dressed in music”.

Sing Master, a cargo de Georgi Dzhambazob. Aplicación móvil que ofrece al usuario ejercicios prácticos para aprender a cantar y a leer partituras.

Club SQ, a cargo de Ernest Conill y Gerard Guix. Plataforma de retransmisión de sesiones en streaming con los DJs más conocidos a nivel mundial.

You Sound, a cargo de Morgan Johnson. Plataforma que moderniza la jukebox.

Finalistas del Foro de Inversión:

Conductr, a cargo de Julià Carboneras y Oriol Rosell. Aplicación que presenta un controlador musical de Ableton Live para iPad.

Splyce, a cargo de Sergi Hernanz. Aplicación móvil de un reproductor de música con auto-mix.

Pypna, a cargo de Bartos Cañete. Plataforma web que hace que triunfar dependa del esfuerzo de los nuevos talentos.

Cooncert, a cargo de Pau Corbalán. Promotora social de conciertos.

Vibook, a cargo de Montse Juncosa. Plataforma de contratación y selección de talento artístico.

Tras la deliberación del jurado, formado por Alberto Guijarro, director de Primavera Sound; Enric Jové, director general de McCann Erickson; Luisa Alemany, directora del Instituto de Iniciativa Emprendedora de ESADE; y Xavier Verdaguer, fundador de Imagine Creativity Center, TMT Factory & Innovalley Inc., Artists First obtuvo el primer Premio a la Mejor Idea de Negocio, seguido de Playwithme con el segundo Premio. Por su parte, Conductr se alzó como proyecto ganador del Mejor Elevator Pitch, y Splyce obtuvo mención especial.

En breve podremos conocer de primera mano la experiencia de los ganadores dentro de esta 1ª Edición del Concurso Internacional de Ideas y Foro de Inversión de la Industria de la Música realizada por PrimaveraPro y Seed&Click.

Las nuevas tecnologías y el futuro de la escena musical ponen el punto y final a PrimaveraPro

Las charlas de esta última jornada se han centrado en varios mercados, como el chino o el británico, y en como hacer triunfar un vídeo musical a internet

Una interesante conferencia presentó nuevos estilos de creación musical, orientados a entender la música como una experiencia apta para todo el mundo

PrimaveraPro puso punto y final a las conferencias de este año en el Convent de Sant Agustí con una última jornada reflexiva que giró en torno a dos grandes ejes: las nuevas tecnologías y el futuro del mundo de la música. Sobre esta segunda cuestión hablaron cuatro artistas revolucionarios e innovadores, conocidos tanto por su música como por la manera como la producen.

En un mundo cada vez más mercantilizado, el cantante Steve Ignorant, fundador de un grupo anarco-punk en los 70, época del boom de este género en Gran Bretaña, defendió la música como una cuestión de feeling y tacto artístico, más que de conocimientos. “Todo el mundo puede hacer música”, aseveró Ignorant, en respuesta a la explicación de sus pensamientos que hicieron Spazzfrica Ehd & PapaDupau, dos artistas que con su propuesta conjunta ZA! crean una singular música mezclando varios instrumentos de manera improvisada. Estos dos jóvenes multiinstrumentalistas, que experimentan con la fusión de gran diversidad de estilos, dijeron que odiaban la idea de que el músico tiene que ser un virtuoso. “Eso es clasismo; la música es un lenguaje tan espontáneo que no necesitamos saber nada para tocarla”, dijeron después de admitir la influencia que tuvieron de los primeros grupos de hardcore en la concepción de su estilo.

También es una experimentación, en este caso sensorial, la curiosa propuesta que presentó el promotor londinense Martyn Ware. Su idea es la del sonido como parte fundamental de las actuaciones musicales; por eso, ya hace unos años que impulsa y mejora un sistema de sonido tridimensional, con altavoces situados a todas las partes de la sala, creando una experiencia sonora casi física. “Es una cosa muy visceral”, dijo, “pero las pruebas empíricas dicen que esto funciona para conectar a todos los asistentes con la música que pinchamos”. Como anécdota, explicó que implementó este sistema a la discoteca más conflictiva de todo Londres. “Aquella noche, a diferencia de las otras”, dijo, “no hubo detenidos ni peleas: el sonido distrajo tanto a la gente que evitó que hicieran cosas malas!”.

Sin moverse de las islas británicas, cuatro productores, periodistas y agentes musicales desgranaron los puntos más curiosos del mercado británico. Igual que en el caso de los Estados Unidos, dijeron, es un mercado difícil para las bandas extranjeras. Pero para el productor escocés Rodaidh McDonald, casos de éxito como el de Mujeres demuestran que “el idioma no es una barrera si la letra no es la parte central de la canción”. Por eso, aconseja el representante de artistas Jack Shankly que los artistas “envíen links, soundclouds, lo que sea, a los agentes”; si tienen una identidad clara y saben qué están buscando, tienen posibilidades de hacer agujero en el Reino Unido.

Y cambiando de continente, hubo tiempo para hablar de un mercado tan exótico cómo es el asiático. La primera de las conferencias, dedicada concretamente a China, fue organizada por BCN Music Export y llegó a la conclusión de que es un mercado donde es fácil introducir bandas extranjeras, ya que se encuentra en plena ebullición. La otra, que trató de Asia más globalmente, consistió en un debate de la mano de cinco promotores con presencia en aquel continente. Como en la economía, los conferenciantes vaticinaron que el futuro del arte independiente pasará por Asia.

La tarde empezó con un coloquio centrado en uno de los temas más candentes del momento: los servicios de mensajería instantánea. ¿Cómo se desarrollarán y cómo afectarán el mundo de la música? En un ejercicio de futurología, los ponentes afirmaron que el uso de estas plataformas “es ya importantísimo” y coincidieron al reconocer que a corto plazo aplicaciones como Snapchat superarán en cantidad suficiente a Facebook en cuanto a su utilidad por músicos y discográficas. Steve Mayall, de MusicAlly apostó por “encontrar la manera de dar valor recíproco en la música y a la tecnología para sacar el máximo potencial.” Y añadió: “Imagínate si Bob Dylan tuviera Twitter!”

En la misma línea de sacar el máximo partido de internet, Eduard Castelló ofreció una charla titulada: “10 maneras de conseguir que tu música triunfe online”. El objeto de la ponencia fue Youtube, el canal más utilizado por los menores de 35 años para escuchar música. El público llenó Sala Bunker y tomó nota de los consejos de Castelló con la esperanza de poder aplicarlos a sus casos particulares.

Otra conferencia muy útil para los participantes fue la dedicada a la edición musical en la nueva industria de la música, los nuevos modelos de negocio que han afectado los derechos de la propiedad intelectual y cómo los grupos pueden ponerse en manos de buenos editores que les garanticen seguridad en este aspecto.

La supervivencia como sello musical independiente en un sector cada vez más concentrado y los nuevos modelos de negocio basados en la sincronización de música en cine, televisión y publicidad, también ocuparon un espacio destacado en la programación de la última jornada de PrimaveraPro.

Una última jornada que, como las anteriores, reservó un rincón para retrospectivas que pretenden homenajear movimientos musicales por muchos olvidados. Fue el caso del coloquio dedicado a la era del soul a través de las guitarras Gibson, sin duda, dedicada a melancólicos con paladares muy refinados. Al otro extremo, el mito del metal polaco también recibió su reconocimiento. Un mito que tiene gran parte de realidad, tal como afirmó Lukasz Dunaj, de Mystic Magazine, que apuntó que la de Polonia, es “la única escena metal de los países del este que ha disfrutado de fama mundial”.

PrimaveraPro entrevista al flamante ganador del primer Primavera Award, Christof Ellinghaus

Ellinghaus destacó en una entrevista pública su idea de negocio centrada en la intuición y la conexión entre artista y productor

Las implicaciones de las nuevas tecnologías en la promoción de los artistas y las singularidades de los diferentes mercados nacionales fueron temas centrales del resto de conferencias

Allosa Ajanovic y Albert Sort Creus – Christof Ellinghaus, fundador del sello City Slang, repasó en el Convent de Sant Agustí sus 25 años como productor independiente, una prolífica carrera por la cual recibe el Primavera Award, que se otorga este año por primera vez. Ellinghaus es un referente que representa una manera de entender las relaciones entre productor y artista, un campo dónde para él es básico que haya conexión. Lo dejó claro cuando habló de la receta por haber descubierto grupos tan famosos como Arcade Fire o Herman Dune: “todo lo que hago está basado en la música que me gusta, que me llega”.

Crítico con la concepción mercantilista de la industria musical, orientada sólo a los beneficios, el productor alemán aseguró en una entrevista conducida por el periodista Luke Baindbridge que no hay que entrar en este mundo sólo por el dinero. “Cada proyecto nuevo es un riesgo de perderlo todo”, constató, por lo que defendió que sean la intuición y los “amores a primera vista” los que guíen las nuevas discográficas independientes.

Pero a pesar de ser alemán, Ellinghaus siempre ha estado abierto a propuestas musicales de otras zonas del planeta, como los Estados Unidos. Este es el mercado más dinámico de la escena musical, y esto lo sabían los numerosos asistentes que llenaron la Sala Noble para escuchar una conferencia precisamente relacionada con esto. “What is wrong with us?”, se preguntó el moderador Will Welch, Editor de la revista GQ, crítico con las pocas oportunidades de los grupos extranjeros en los EE.UU. Pareció responderle la periodista de la revista Pitchfork, Jenn Pelly, cuando aseguró que el mercado americano era “mucho más conservador que el europeo”, y que los altos costes de traer bandas europeas a la otra banda del Pacífico “tiran atrás muchas discográficas”. A pesar de que los conferenciantes acabaron alentando a las bandas locales diciendo que con esfuerzo todo es posible, el título de la conferencia parece un buen diagnóstico de la situación actual en los EE.UU.: “Si lo consigues aquí, lo puedes conseguir en cualquier otro lugar”. Paralelamente, el mercado no sólo europeo, sino mediterráneo, fue analizado en otra conversación con representantes italianos, franceses, españoles, griegos e israelíes. Moderados por el brillante periodista Fernando Neira, hubo un acuerdo unánime: hay que aprovechar el espacio común de la Mediterránea para tejer redes que hagan estos países más competitivos.

Pero si el mercado de los Estados Unidos es, sin duda, el más desarrollado del mundo entero, otros como el centroeuropeo disfrutan de “muy buena salud”, como aseguró Detlef Schwarte (Reeperbahn Festival) refiriéndose al mundo underground alemán. En este coloquio entre varios promotores de la zona, la idea de que se está recortando terreno a los mercados más mainstream sobrevoló toda la conversación. Para entrar, aseguró el austríaco Reinhold Seyfriedsberger, hay que “moverse, buscarse promoción, intentar ser viral”, pero por extraño que suene, aseguró, no es un escenario difícil de penetrar puesto que está muy diversificado. El idioma, en este caso, no es un problema. El ejemplo de Ojos de Brujo, triunfando en el mercado germánico, demuestra según Christof Huber, director del festival Yourope, que lo que importa al público de estos países es el estilo, no el idioma. De este modo, quisieron alentar a los grupos extranjeros a intentar estrenarse en la escena centroeuropea.

También hubo tiempo para analizar, cuáles son los retos a los que se enfrentan las oficinas de Relaciones Públicas y los promotores del sector de la música. En un dinámico debate, el promotor italiano Gianlucca Giusti admitió que hoy en día “no hay tanta conexión con el trabajo del RRPP y el éxito del grupo”. Si antes una crítica positiva en una revista podía asegurar conciertos y fama, hoy en día esto está cambiando, y lo más necesario es “ser pícaro”. “La saturación de información hace que todo pueda cambiar en quince días”, afirmó la barcelonesa Eneida Fever, de Fever! Productions, que subrayó la necesidad de los promotores de adaptarse al flow del mercado digital. Los participantes también repasaron la necesidad de crear una conexión europea entre sellos para “superar la hegemonía de las grandes distribuidoras” e impulsar el mercado independiente. Esto favorecería que la figura del RRPP, así como su trabajo, volvieran a ser igual de potentes que hace una década.

Los críticos musicales también tienen que enfrentarse al shock que ha significado la era digital para su profesión. Según comentaron 5 famosos críticos, congregados en Barcelona para cubrir el Primavera Sound, uno de los principales retos es como seducir a los forofos de la música para que los lean. “Antes éramos imprescindibles, porque cierta música sólo la teníamos nosotros y, dependiendo de lo que decíamos, la gente consumía”, aseguró el periodista Linsday Zoladz, de la revista Pitchfork. Ahora, con la democratización de la música, que llega a oídos de todo el mundo, hay que aportar un valor añadido. “Todo el mundo es periodista”, aseguró, por lo que hace falta que los periodistas se creen una marca personal. También la manera de trabajar ha cambiado, ya que para Fernando Neira (El País) no es lo mismo escribir para el formato papel que para una web o una aplicación. La conclusión fue que los críticos, ahora, se tienen que ganar el nombre; si tienen el respecto del público, su figura no desaparecerá.

Finalmente, otros temas más centrados en la figura de los artistas que salieron a colación en la jornada del PrimaveraPro. El primero fue la necesidad de construir nuevos modelos de negocio donde los artistas tengan más peso. También se pudo asistir a una conferencia donde se quiso asesorar a los músicos sobre maneras de prevenir el estrés mental y físico que, según estudios científicos, es consecuencia directa de su singular profesión.

Stromae brilla con luz propia en la primera jornada del PrimaveraPro

El cantante belga, que actuó horas después en el Parc del Fòrum, se sometió a una divertida entrevista pública

El impacto de la red en el ámbito de la música independiente y la globalización de los sellos fueron otros de los debates principales

Allosa Ajanovic – Cómo si estuviera en la iglesia, el cantante belga Paul Van Haver se confesó durante casi una hora ante los asistentes del PrimaveraPro. Con su estilismo de dandy inglés y el exotismo por bandera, Stromae, como se lo conoce en la escena musical, pasaba por el antiguo Convent de Sant Agustí, sede de las conferencias del DayPro, sólo unas horas antes de subir al escenario del Fòrum en su primera actuación en el estado español. El público, curioso por la heterodoxa música de Stromae, se divirtió con la entrevista que le hizo el director de Rockdelux, Santi Carrillo, que desgranó la parte más íntima de este artista emergente.

Stromae, el personaje, es muy teatral, irónico, del ridículo. Van Haver, la persona, es sencilla y sincera, dos cualidades que lo marcan a la hora de componer. “Decir que todo es bonito es demasiado fácil”, dijo, para justificar porque se define como un artista “melancólico, no triste”. Esto explica unas letras tildadas a menudo de pesimistas, que para él son un mecanismo para no desfallecer: “me gusta ponerme en lo peor; así el futuro siempre me sorprende”.

Pero a pesar de esto, Stromae tiene una gracia natural que consiguió dibujar una sonrisa a los asistentes durante toda la entrevista. Es quizás esta cualidad, la de dar la vuelta a los sentimientos, la que lo ha traído a sonar en las salas de baile del mundo francófono con canciones en las que habla de parejas rotas o de un niño sin padre. “Lo mejor que se puede hacer con los problemas es no esconderlos y bailar encima”, aseguró, admitiendo que las canciones de Jacques Brel le habían enseñado a admitir su propia vulnerabilidad.

Justo antes de marchar de gira por África, continente que significa mucho por sus raíces ruandesas, Stromae hizo una defensa de la música en francés. O en cualquiera otro idioma, en el de cada territorio del mundo. ¿La razón? “Es importante por la cultura mantener el idioma propio”. Para él, que el inglés es el idioma más internacional “no es más que un cliché”. Fiel a su fama de imprevisible, pasó de esta reflexión a hablar de la línea propia de ropa que ha diseñado o de la estatua que le harán en el Museo de Cera de Londres. Stromae, Van Haver quizás una mezcla de los dos, dejó su singular huella en el Convent de Sant Agustí. Era de esperar.

Antes de Stromae, uno de los grandes temas tratados fue el espectacular crecimiento de la industria musical en América del Sur. Los cuatro representantes de este efervescente mercado que se dieron cita en el PrimaveraPro destacaron la importancia de la interconexión entre productores para acabar con las diferencias entre mercados y hacer crecer la importancia de la región. Según Rodrigo Santis, fundador del sello chileno de referencia Quemasucabeza, internet es básico para las discográficas que busquen “abrir ventanas para conectarse en otros sellos y así llegar a nuevos horizontes”. Una manera de hacer esto, explicó Santis, es hacer giras conjuntas donde los mismos grupos, de diferentes países, repitan unos mismos conciertos en diferentes ciudades. En la misma línea, Fabrizio Nobre, representante de la emergente escena brasileña, añadió que tienen que existir contactos entre “pequeños grupos del Brasil y de Europa”, creando un feedback donde todos salen ganando. Así, según él, es como se pueden romper las posibles barreras idiomáticas. Por su parte, el argentino Lautaro Barceló, de Uf Caruf! Discos, reforzó esta idea y aseguró que es creando vínculos “formales” como se consigue conocer nuevos grupos de todas partes, nuevos sonidos de los cuales “enamorarse” . Quedó claro, pues, que la interacción entre sellos, artistas y público de diferentes países es la mejor manera de garantizar la supervivencia de la música independiente en un panorama musical globalizado.

También la internacionalización, pero en este caso de los festivales, fue el tema central de un interesante debate entre los directores de algunos de los acontecimientos más importantes del planeta. Las sensaciones, aquí, fueron opuestas. Por un lado, como aseguró el director de la Sala Apolo y codirector del Primavera Sound, Alberto Guijarro, “cada vez hay más festivales, lo cual dificulta la contratación y suben los cachés”, ya que hacer festivales parece ser un negocio rentable. Barry Hogan, fundador de All Tomorrow’s Parties, contradijo este pesimismo tomando a otro de los asistentes, Enric Palau (director del Sónar), como ejemplo. Hogan admitió que se está experimentado una proliferación de acontecimientos que sólo buscan hacer dinero, pero lanzó un mensaje esperanzador: “mientras haya concepto, como pasa en el Sónar, habrá festivales”.

Para acabar con el capítulo del panorama internacional, una interesante conferencia sobre los Países Bálticos, conducida por los DJ’s Veedis y Toms Grevins y las promotoras de acontecimientos Helen Sildna y Natalie Mets ilustró a los –muchos- desconecedores sobre el atractivo paisaje que presentan Estonia, Letonia y Lituania en cuanto a festivales, revistas o encuentros profesionales de músicos. Pivotando sobre la música electrónica, estos gélidos países, cada vez más reconocidos, son irónicamente otro de los puntos en ebullición del planeta musical.

Las dos conferencias restantes se tuvieron que enfrentar, como no, al reto que representa la irrupción de las nuevas tecnologías para la industria de la música. La primera de ellas, titulada “¿Es el negocio de la música más justo hoy que el 2003?”, se centró en las nuevas maneras de consumir música ahora que el CD está visto para sentencia. Plataformas como Spotify o Deezer fueron el centro de un acalorado debate donde participaban 6 representantes del mundo de la música y que dejó diversidad de opiniones. “Hace falta que se pague por el precio de la música”, “pierdes la integridad como artista cuando te conviertes en producto” o “hace falta una plataforma de streaming que dé las mismas oportunidades a todo el mundo” fueron algunas de las reflexiones que se hicieron. La otra conferencia habló de cómo ha cambiado el trabajo del promotor de conciertos ahora que casi toda la oferta está encarada en la red. Los tres expertos en tecnología aplicada a las industrias culturales Lluís Villarejo, Donal Scannell y Cécile Martin destacaron algunas de las propuestas más innovadoras (sobre todo apps), muchas de las que amenazan con convertirse en imprescindibles en un futuro no muy lejano.